O Maneirismo, Estilo Refinado e Extravagante Que Marcou O Fim da Renascença

Giulio Romano, a queda dos gigantes

Maneirismo, um termo que certamente muitos de vocês já ouviram falar. Ele é freqüentemente usado até hoje para definir virtuosismo excessivo, portanto na maioria das vezes tem uma conotação negativa. Mas a história desta palavra tem raízes no passado. O termo foi usado pela primeira vez pelo historiador Luigi Lanzi (1809) para definir o estilo da pintura italiana no período desde o Saco de Roma (1527) até a chegada da família Carracci no final do século 16. O adjetivo “Maneirista” é, no entanto, mais antigo.

Giulio Romano, a queda dos gigantes

Entre os primeiros a utilizá-lo estava um francês, Fréart de Chambray, escritor, tradutor e teórico da arquitetura e das artes (1662). Este termo foi usado por estes dois autores para dar um julgamento completamente negativo do estilo daquela época. Lentamente no século XIX começou um processo de reabilitação do Maneirismo, graças aos teóricos que se aplicaram na tentativa de compreender o significado e a importância do conceito de maneira. E graças, sobretudo, aos estudos realizados sobre os artistas definidos como “maneiristas”.

Um pouco de história
No século XVI, os termos “maneirista” e “maneirista” não existiam. O termo “maniera”, entretanto, é encontrado no tratado de Cennini (ca. 1390) e em Vasari (Le Vite), que o usa para indicar como “bella maniera” as qualidades de graça, harmonia, imaginação, fantasia e virtuosidade. Estas, segundo ele, são as características da “maneira moderna”, ou seja, dos artistas de seu tempo, que Vasari considera superiores a todos os outros. Mais tarde, os historiadores tiveram reservas sobre os imitadores de Rafael e Michelangelo, que inauguraram a nova moda artística.

Esta em síntese foi a posição dos historiadores até o século XIX. Uma arte que altera a verdade e é desprovida de originalidade, pois se baseia na imitação e na repetição.
Não foi até Dvorák (1918) que se afirmou a autonomia do estilo maneirista, com suas próprias características. O subjetivismo, o expressionismo, a tendência ao drama, à fantasia e à animação. É portanto graças a ele que a idéia da importância do Maneirismo surgiu em plena evidência.

O estilo anticlássico por excelência
A partir dessa época, foram feitas tentativas de considerar o Maneirismo em relação à Contra-Reforma, o Barroco, ou Classicismo. W. Friedländer viu, em 1915, o Maneirismo como o estilo anticlássico por excelência, em oposição ao ideal de harmonia da Renascença. Ele definiu assim um Maneirismo precoce, que começou com o trabalho de Michelangelo, e mais tarde identificou uma segunda fase que marcou suas fortunas. Uma reação anti-Mannerista que se aproximou da Renascença e antecipou a arte do século XVII. Desta forma, Friedländer dividiu o Maneirismo em várias fases.

Pontormo, A Deposição ou Transporte de Cristo, 1528

Posteriormente, houve uma proliferação de estudos como a Storia di Adolfo Venturi (História de Adolfo Venturi), os estudos de H. Voss, R. Longhi, G. Briganti (1940), L. Becherucci (1944), P. Barocchi (1951), para citar apenas alguns, que lançaram luz sobre o Maneirismo e uma série de obras que eram pouco conhecidas ou mesmo completamente ignoradas. A investigação se estendeu então a toda a arte européia. Em paralelo à pesquisa sobre as características formais do Maneirismo, a atenção foi voltada para suas causas. Paralelamente às explicações de uma ordem sociológica, que se opõem às teorias que vêem o Maneirismo como uma tendência permanente do espírito humano e, portanto, independente dos contextos sociais, as interpretações de natureza estilística, ou mesmo literária e filosófica, se estabeleceram.

Em tempos recentes
Nos últimos quarenta anos, o termo Maneirismo, que se tornou moda, foi utilizado em excesso, a ponto de enquadrar todo o curso da pintura do século XVI, desde a morte de Rafael (1520) até o início do classicismo do século XVII e do barroco. Hoje há uma tendência a considerar a “maneira” em relação à arte dos protagonistas da Renascença, Leonardo, Rafael e Michelangelo.
Uma coisa emergiu. O estilo “maneirista” não é unívoco, ainda mais se considerarmos a diversidade das expressões regionais, bem como sua expansão que incluiu toda a Europa. Consequentemente, hoje os estudiosos que lidam com os problemas deste período preferem falar de “maneirismos”, cujos tipos são tão diversos quanto as regiões ou países nos quais se afirmaram e dos quais tentarei fazer uma síntese.

Rosso Fiorentino, Depoimento da Cruz, 1521

Maneirismo na Itália: Roma
O maneirismo nasceu na Itália. O papel fundamental desempenhado por Miguel Ângelo foi unanimemente enfatizado por estudiosos. Os artistas maneiristas inspirados não foram apenas seus trabalhos tardios, mas também os de sua maturidade precoce. Suas esculturas também serviram de modelo: desde o David até o falecido Pietà. Os artistas mais jovens encontraram neles uma maneira de lidar com o problema do espaço figurativo e da composição com um espírito inovador.
A inspiração grandiosa e dramática de Miguel Ângelo também foi um exemplo de espiritualidade em contraste com o naturalismo e a harmonia do início da Renascença.
Foi com a mesma intenção que a geração mais jovem foi inspirada por Leonardo, que por nascimento pertenceu ainda mais ao século XV. Suas obras mais famosas deram aos Maneiristas tantas sugestões, não só pela beleza das invenções e atitudes, mas também pela inquietação que as permeia, por seu chiaroscuro poético, e talvez até mesmo pela perfeição dos detalhes.

Giulio Romano
Ao maneirismo de Raphael voltado com igual intensidade: com particular referência às salas do Vaticano, com sua atmosfera heróica, a busca de composição e movimento, que atingiu os jovens artistas. Após a morte de Rafael, seus colaboradores, dirigidos por Giulio Romano, abandonaram definitivamente o equilíbrio renascentista. Que estas eram realmente as intenções do mestre é demonstrado por seus desenhos originais e suas últimas obras.

Raphael também foi responsável pelo novo interesse pela decoração antiga, que se revelou quando ele supervisionou as escavações em Roma. Todas as suas sugestões foram bem aproveitadas por seus alunos, mas foi Giulio Romano em particular quem tirou as máximas conseqüências do modelo de Rafael. Em Mântua, onde havia se estabelecido em 1524, no Palácio Ducal e especialmente no Palazzo Te, ele criou um complexo decorativo de variedade incessante, combinando estuque e afresco em uma relação completamente nova. Por estas razões, o Palazzo Te é considerado um dos monumentos mais importantes e precoces da civilização maneirista.

Domenico Beccafumi, Anunciação, 1545

O maneirismo na Itália: Toscana
A identificação do papel da Toscana no Maneirismo é um dos resultados dos estudos do nosso século. Andrea del Sarto e sua escola foram examinados, deste ponto de vista, com uma orientação completamente nova. Ao redor de Andrea foram formados os artistas mais dotados da nova geração, admiradores não só de Leonardo, Michelangelo e Rafael, mas também de Donatello e Dürer. Eles tiraram desses mestres a ousadia composicional, o virtuosismo do design e da cor que os levou ainda mais longe que seus antecessores.
Piero di Cosimo e Filippino Lippi tinham aberto o caminho para a tendência dos “excêntricos” florentinos. Mas não só isso, a estadia de Berruguete em Florença (entre 1508 e 1516) também foi um evento importante para os jovens pintores. Mas quais foram os artistas maneiristas da região da Toscana?

Pontormo
Pontormo é uma delas, demonstrando como a unidade do espaço poderia ser quebrada e ao mesmo tempo aumentando o poder expressivo das figuras. Seus trabalhos posteriores revelam um subjetivismo cada vez mais desesperado, mesmo na decoração das vilas dos Médicis.
Esta vocação empurrou Pontormo para uma arte irrealista, que queria competir com a de Miguel Ângelo, e que o trancará em um isolamento total tanto existencial quanto artístico. Na tensão de uma pesquisa febril, Pontormo acumulou os desenhos que ocupavam um lugar essencial na gênese de sua obra e ressaltou o notável papel atribuído pelos artistas a este meio expressivo.

Giorgio Vasari, a Forja de Vulcano, por volta de 1564

A originalidade de Rosso Fiorentino se afirmou muito cedo, com a agitação de um escândalo e um desejo de independência absoluta que o tornou um artista sem mestres. Foi em Roma, primeiro em contato com as conquistas chocantes de Michelangelo e Rafael, depois ao lado de Parmigianino e Perino que Rosso fez seu ideal, toda a graça e elegância da “maneira”. Após 1527, levando uma existência errante e cheia de dificuldades, ele deixou na Úmbria e na Toscana obras de um pathos intenso, cheio de energia, dissonante na cor e violentamente quebrado no desenho. Finalmente, em 1530, o chamado de Francesco I lhe permitiu demonstrar na França, um artista entre os mais originais e importantes de seu tempo.

Beccafumi
O Sienese Domenico Beccafumi, tanto como autor de decorações profanas, que como pintor de obras sagradas deu forma a um mundo poeticamente irreal, em uma gama de tons brilhantes e líricos, exemplo perfeito de uma “maneira” pelos inconfundíveis e sofisticados formalismos. Pontormo, Rosso e Beccafumi, por sua originalidade, que envolvia composição, expressão, luz e cor, foram claramente distinguidos da geração de artistas da segunda metade do século XVI em Florença, onde se desenvolveu uma arte da corte.

Bronzino é um retratista de uma frieza e elegância habilmente calculadas, de uma perfeição absoluta no desenho e de uma imaginação complicada nas invenções. Esta geração deu outras grandes figuras de decoração, como Francesco Salviati. Suas criações romanas e florentinas, originais e complexas, constituem um dos exemplos mais representativos do gosto maneirista.

Parmigianino, Madonna de pescoço comprido, 1534-40

Os grandes ciclos dirigidos por Vasari, biógrafo dos pintores, homem de confiança dos Médicis, desempenharam um papel importante. O artista glorificava incessantemente os senhores de Florença, influenciando os muitos colaboradores, que estavam ao seu lado em seus empreendimentos. Nas decorações do Palazzo Vecchio Vasari utilizou todos os recursos do vocabulário ornamental de seu tempo, como grotescos, esculturas falsas, naturezas mortas e paisagens, para ambientar composições frescas e graciosas.

Maneirismo na Itália: Parma e Emília
No início do século XVI, a arte emiliana era dominada por Correggio, cujas obras-primas, por seu gosto ilusionista e invenções originais inspiraram os maneiristas, antes de seduzir os artistas dos períodos barroco e rococó. Da mesma forma, sua doce Madonnas antecipou a pesquisa de Parmigianino, cuja influência foi além das fronteiras da Emília, onde deixou suas obras mais importantes. Seus desenhos, de refinada virtuosidade, e suas pinturas impõem um novo tipo de beleza, com formas alongadas e ritmos sinuosos, protótipos de sua graça maneirista que, espalhados por gravuras, influenciaram profundamente toda uma geração de artistas. De suas invenções derivaram pintores de delicada sensibilidade e originalidade, como Michelangelo Anselmi, Girolamo Mazzola Bedoli, Lelio Orsi e Jacopo Bertoja. Sua arte combina graça com a imaginação mais bizarra.

Bolonha foi uma das primeiras cidades a receber a mensagem de Parmigianino, para a qual foi preparada pelos seguidores de Rafael e Lorenzo Costa, e pela estadia do próprio Parmigianino em seu retorno de Roma. Nicolò dell’Abate deu prova disso nas decorações do Palazzo Poggi em Bolonha, antes de “exportar” esta graça na distante França junto com o Bolonhesa Francesco Primaticcio, um dos primeiros decoradores de sua época.

Mais marcado por Michelangelo, Pellegrino Tibaldi pintado no Palazzo Poggi com um virtuosismo imbuído de humor. Depois dele, um grande número de artistas povoou os palácios e igrejas de imagens ligadas à última onda do Maneirismo. Prospero Fontana, Ercole Procaccini, Lorenzo Sabbatini e Grazio Sammachini. Ao lado destes artistas Bolonha poderia vangloriar-se, já no início do século, de uma personalidade dotada de expressividade aguda, mais próxima do “excêntrico” do que do “maneirista”. Amigo Aspertini, que se valeu de diferentes fontes e cuja emocionalidade e liberdade expressiva encarnavam um desespero moderno.

Maneirismo na Itália: Veneza, Gênova e Milão
É outro mérito dos estudos modernos ter investigado o Maneirismo na pintura veneziana, antes considerado estranho a estes eventos do final da Renascença. De fato, o novo estilo estava presente em Veneza depois de 1530. A primeira onda do Maneirismo está ligada a Giuseppe Porta, conhecida como Salviati, cuja relação com a arte veneziana tem sido interpretada de maneira diferente. Uma segunda onda do Maneirismo é caracterizada, novamente em Veneza, pelas grandes decorações do Palazzo Ducale. Em Roma, o próprio Ticiano, atingido pelas obras-primas de Miguel Ângelo, modificou profundamente sua maneira de ser.

Tintoretto, São Marcos realiza vários milagres, 1562-66

Tintoretto e Veronese
Ao Maneirismo está totalmente ligado o trabalho de Tintoretto, que foi inspirado por Michelangelo em ciclos gigantescos, onde sua imaginação visionária usou um design arrojado, feito de um esquema de cores vibrantes e violentos contrastes de luz. O pintor criou um universo irreal onde um traço pessoal de forte emoção está sempre presente. Veronese adaptou seu maneirismo aos esplendores das nobres residências de campo venezianas, onde se estabeleceu como um grande decorador. Sua pintura, aplicada com uma fluidez alegre, numa gama harmoniosa e clara, deu origem a figuras tocadas pela graça de Parmigianino. Veronese também exaltou um dos temas caros ao Maneirismo, a paisagem de fantasia ou as ruínas.

Andrea Schiavone, Conversão de São Paulo, 1540-45

De Parmigianino derivou Andrea Schiavone. Seu estilo rapidamente esboçado tem na pintura o encanto e o frescor do primeiro momento criativo, contribuindo para aquele virtuosismo gráfico que é um caráter típico do Maneirismo.

Pesquisas mais recentes aprofundaram aspectos do Maneirismo em Veneza e enfatizaram o papel de personalidades como Paris Bordon, Giovanni de Mio, Lambert Sustris e Battista Franco. Um ambiente de vitalidade excepcional que no final dos anos sessenta também viu a participação do El Greco. O estudo das correntes maneiristas em outros centros italianos é também uma conquista da crítica moderna. Genova com Luca Cambiaso, Nápoles com Roviale Spagnolo, Milão e Lombardia com Gaudenzio Ferrari e, mais tarde no século XVII com os inícios do Cairo, Morazzone e Tanzio da Varallo.

Difusão internacional do maneirismo
A partir de 1530, quase toda a Europa foi atravessada pelo Maneirismo. Aqui vou tentar definir apenas alguns aspectos particulares, falando sobre os artistas mais significativos e procedendo por áreas geográficas.

Espanha
Inicialmente dominada pela arte de Ghirlandaio e Francia, a Espanha se abriu para a Renascença italiana, e sua admiração se voltou para alguns poucos mestres. Sebastiano del Piombo, cujas obras são bem conhecidas e copiadas, inspirou um estilo monumental profundamente religioso. Uma corrente mais moderna se formou em torno dos artistas que ficaram na Itália e alguns dos quais, como Alonso Berruguete, foram um verdadeiro fermento na formação da maneira. Estes pintores criaram imagens de liberdade singular, como fez Pedro de Campaña, ou o bizarro Pedro Machuca, cujas Madonnas quase parecem refletir as de Leonardo em um espelho distorcido. A reavaliação de Berruguete, Campaña e Machuca se deve às críticas recentes e à sua intenção de colocar o nascimento da maneira em Florença.

El Greco, martírio de São Maurício

O primeiro artista espanhol que interessou os estudiosos do maneirismo foi El Greco. Pelo misticismo que o caracterizou, El Greco apareceu como figura emblemática do espiritualismo do Maneirismo. Também foram feitas tentativas de aproximar a arte do artista do barroco. Suas pinturas corajosamente compostas, com cores estranhamente frias, às vezes lívidas, evocam um mundo irreal, onde personagens com corpos improvavelmente alongados expressam o mais intenso sofrimento, êxtase e fé.
A atmosfera de tensão espiritual na obra de El Greco é de uma intensidade inigualável na pintura de seu tempo.

Inglaterra
A arte da corte, que foi um dos aspectos mais significativos do Maneirismo, favorecida pelas condições históricas, alcançou um esplendor na Inglaterra no século XVI do qual infelizmente não resta muito hoje, já que a maioria das obras desapareceram. Na verdade, a Inglaterra parece, no início da Renascença, estar atrasada em relação ao resto da Europa. Henrique VIII chamou artistas estrangeiros, em particular os flamengos, famosos pela excelência de sua técnica, e os italianos, considerados os autênticos criadores da arte contemporânea. Sua tentativa era aclimatar na Inglaterra o maneirismo romano e florentino, fazendo uso de artistas como Toto di Nunziato d’Antonio, Bartolomeo Penni e Nicolas Belin de Modena. Alguns artistas flamengos, que lembravam os tons de algas e a paleta típica de Floris e Jan Metsys, pintaram alegorias e mitologias complicadas.

Isaac Oliver, festa ao ar livre, 1590

Se os italianos desempenharam um papel fundamental na decoração, os flamengos dominaram a arte do retrato, que se desenvolveu consideravelmente durante o reinado de Elizabeth. Tipicamente os gêneros ingleses se espalharam então, tais como retratos alegóricos de soberanos, ícones profanos com fins políticos e, no campo da miniatura, as refinadas criações de Nicolas Hilliard e Isaac Oliver. Exemplos perfeitos do gosto maneirista para os infinitamente pequenos.

França
Um dos mais importantes centros maneiristas desenvolvidos em Fontainebleau, graças à política artística inteligente dos soberanos. Não apenas, como Francisco I, eles souberam cercar-se de artistas italianos, mas também reuniram ao seu redor prestigiosas coleções de obras de arte, cuja presença em Fontainebleau foi fundamental para o nascimento do novo estilo. Isto chegou à perfeição no famoso Castelo, onde foi elaborada uma arte decorativa de tão marcante originalidade que foi chamada de “a maneira francesa”.

Rosso e Primaticcio
Rosso e Primaticcio, auxiliados por colaboradores de classe, abordaram todos os gêneros e se impuseram na decoração de inspiração mitológica, no nu e na paisagem. Amplamente difundido através de gravuras, também utilizadas em tapeçarias, o novo estilo de Fontainebleau teve um sucesso do qual poucos artistas franceses escaparam.

Francesco Primaticcio, o sequestro de Elena, 1530-1539

Imitado nos castelos, a decoração em estuque e afresco de Fontainebleau foi muitas vezes, para a economia, traduzida apenas em pintura. A evolução do enquadramento ornamental, cuja importância é muitas vezes maior do que a do cenário principal, é característica do estilo Fontainebleau e foi um sucesso que se estendeu às mais diversas técnicas como armas, livros, miniaturas, móveis e ourivesaria. Talentos talentosos desenhistas seguiram alegremente esta moda, assim como alguns gravadores. Foi criado, em estreita relação com os modelos oferecidos pela corte e com a contribuição de grandes pintores como François Clouet, o retrato mitológico, com caracteres de meio comprimento, de requintado erotismo.

A moda do estilo “miniatura” e das alegorias sofisticadas continuou até o final do século. Enquanto nos últimos anos, sob Henrique IV, um maneirismo tardio, influenciado pelo nórdico e pelo estilo dos decoradores anteriores renovou técnicas e temas, fazendo o velho castelo brilhar com novas seduções. Influenciados tanto pelos flamengos quanto pelos italianos, Dubreil, Dubois e Fréminet assumiram a decoração em estuque e afresco. Sua maneira, mais colorida, abordou o Maneirismo internacional, enquanto os sujeitos foram inspirados por novas fontes (poemas gregos e italianos). Esta segunda escola de Fontainebleau produziu uma das obras-primas do Maneirismo francês, a decoração da Capela da Trindade no Castelo de Fontainebleau.

Escolas do Norte: Flandres, Holanda, Alemanha
As personalidades excepcionais da Bosch e de Bruegel dominaram o século XVI e representam um problema muito especial. É considerada uma pintura maneirista em Antuérpia por volta de 1520, um rótulo que às vezes era criticado, embora a preciosa obra dos personagens a chame à mente. De fato, estes mestres anunciaram tanto a pintura italianizante de Pieter Coecke van Aelst ou Scoreli, que era fascinado pela Antiguidade e pela Itália, quanto o ecletismo de Heemskerck. Os romanistas, cujas experiências foram antecipadas por Gossaert, foram dominados por Frans Floris, que assimilou a cultura italiana, apoiada por um forte temperamento e longe do acadêmico em que sua escola se afundou. Também em Michiel Coxcie ou Lambert Lombard a lição de italiano foi perfeitamente assimilada, assim como em Maerten de Vos. Para quase todos estes artistas, o modelo italiano tornou-se fundamental, mas isto não afetou as principais qualidades do realismo nórdico.

Frans Floris, O Julgamento de Paris, 1550

Os Países Baixos
Como resultado, a originalidade dos mestres holandeses se destacou em certos temas tradicionais, particularmente na paisagem e na natureza morta. Em centros muito ativos, como Haarlem ou Utrecht, uma arte elegante e apaixonada foi elaborada no final do século, sob a influência da escola de Parma. Tipicamente maneiristas são as cores dissonantes, a mímica refinada destes pintores, que também se distinguiram por uma grande delicadeza de execução, que parece anunciar a arte do século XVIII.

Na Alemanha, se Dürer e Holbein permaneceram alheios ao Maneirismo, a Escola do Danúbio, que reunia diferentes artistas, de Cranach a Wolf Huber, estava ligada a ela pelo fantástico irrealismo de suas paisagens. Os nus de Cranach têm um sotaque singularmente erótico, que o pintor reforçou ainda mais, enrolando-os em véus transparentes ou decorando-os com sumptuosas jóias. Ele tirou motivos de composições italianas, mas os pintou com um rigor de desenho e uma frieza ainda gótica. Alguns destes personagens e um ducto irrepreensível também dão uma impressão especial ao trabalho do suíço Niklaus Manuel Deutsch.

Praga
Em Praga, a corte de Rudolf II, que seguiu os passos de Francisco I, reuniu prestigiosos artistas e uma rica coleção de obras do Maneirismo tardio, criou um terreno particularmente brilhante para o Maneirismo tardio. O bizarro, o erótico, o precioso foram ainda mais apreciados aqui do que em Fontainebleau, e atingiram picos de sedução às vezes um pouco ostentosos. Seus resultados tinham sido preparados pelas experiências de Karel van Mander e Speckaert em Roma. Diante de suas obras, uma pessoa é atingida por uma qualidade de invenção com um refinamento inigualável de execução que anuncia o barroco e o rococó.

Tantos países, centros e artistas desenvolveram caminhos que hoje são identificados como “maneirismos”. Mas este movimento artístico, convencionalmente inventado por historiadores de arte, continua a ter contornos borrados e a escapar de definições e cercas rígidas. Por esta razão, convido você mesmo a tomar caminhos transversais, procurando obras ou artistas. Você ficará maravilhado com a diversidade e a multiplicidade de expressões artísticas que percorreu estas décadas, pouco antes da chegada do barroco.
Aproveite sua exploração.

O Maneirismo, Estilo Refinado e Extravagante Que Marcou O Fim da Renascença
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